Estilos de color.

 

Quería pausar la dinámica del blog con esta entrada. Durante mucho tiempo he ido coloreando páginas y los estilos van mutando, incluso a veces sin darse cuenta dentro de un mismo número. Teniendo como base los estilos más demandados por las editoriales y la clasificación de algunos libros, como el imprescindible “DC Comics Guide to Coloring and Lettering Comics”, yo he ido adaptando esos estilos a mi modo de ver las viñetas. Es lógico que cada autor de un enfoque distinto a su trabajo y si bien esto es más patente en el campo del dibujo, creo que también se puede cultivar un estilo propio a la hora de colorear.

 

Aprovechando una pequeña serie de muestras y una prueba que he realizado recientemente quiero hacer un repaso por estos estilos. Además he incluido las páginas originales, así que podréis ver la manera en la que yo recibo la página y como queda después de ponerle las manos encima. Empezaré por el tipo de color más “académico”, para hacer un repaso a los estilos de color que manejo e intento perfeccionar página a página.

 

“Cut and grad style”.

Como digo es el más extendido en el cómic de superhéroes. Es un estilo dinámico, que hace un buen balance entre el dibujo y el color y en el que predominan los colores vivos con ciertas normas sobre las paletas. Evidentemente hay una interesante mezcla y no todas siguen el mismo patrón. Consiste en la creación de áreas mediante la herramienta “lazo” que son rellenadas por degradados de distinta intensidad, creando unas capas de contraste que varían según el título y que consiguen dotar de volúmenes rápidos a las figuras. Eso es la teoría. Hace poco hice una prueba sobre una página de Avengers vs X Men, porque a uno no para de rondarle la agradable idea de terminar coloreando batallas entre superhéroes.

 

Página de prueba.

 

Recuerdo la influencia que me produjo el primer número de The Ultimates en el aspecto del color, hoy en día sigo haciéndole homenajes privados a esa serie. Respecto al estilo, le reconozco la rápidez con la que se puede llegar a trabajar sobre las páginas, pero hay algunas metodologías de este estilo que he querido adaptar a mi forma de trabajo. Seguramente la manera en que yo hago los colores sea un poco menos rápida, pero coincide más con la idea que hay en mi cabeza a la hora de ponerme con la página en blanco…y negro.

 

“Cut edges and airbrush”

Este estilo es mi primera evolución del anterior. Los resultados son similares en muchos aspectos y se pueden llegar a igualar sobre el papel. Entonces, ¿en qué consiste la variación? Prefiero trabajar las sombras directamente con los pinceles, me resulta más intuitivo que hacerlo por selecciones y áreas. Las sombras son para mí el cuerpo del contraste en una página y prefiero trabajar los fondos, la ropa y, sobre todo, las facciones de los personajes, de una manera un tanto más “artesanal”. En la siguiente página de Blood and Gourd usé esta técnica, adaptándola a un ficiticio cómic clásico, pero que sabe esconder muchos recursos e iluminaciones propios de los cómics contemporáneos…¿o ya estaban en los antiguos? Muchas veces es difícil saber cuando aparecieron ciertas técnicas y trucos del color.

 

 

Reconozco que es una manera un poco más lenta que la anterior y que las diferencias pueden llegar a ser imperceptibles. Pero personalmente trabajo más cómodo con esta manera de hacer. Aunque, es cierto, no es mi favorita. Vamos con más.

 

“Soft cuts and grad style with textured brushes”

Este se está convirtiendo en el estilo en el que me encuentro más cómodo, siendo a la vez  agradable de realizar y efectivo. Me permite armar las páginas como a mí me gustarían verlas a la hora de comprar un cómic como lector. Se basa también en la primera, pero en vez de selecciones limitadas, las realizo a base de pinceles con distintas graduaciones y trazos. Esto me permite hacer muchas mezclas e introducir diferentes soluciones para cada área. Así en los fondos suelo usar bastantes texturas, los cortes entre sombras y brillos en las ropas suelen ser más definidos y en la piel de los personajes los matices se suceden de manera paulatina, sin encontrar fuertes cortes.

 

 

A raíz de unos tímidos primeros escarceos en el primer título que coloreé para Zenescope se me fue encendiendo la “bombilla” y fuí mezclando y probando recursos dentro de este estilo. Permite cambiar de pinceles para alterar visiblemente los resultados, jugar con fuertes contrastes de luz en zonas de sombra y dota a los personajes de unos volúmenes bastante naturales en mi opinión. Y ahora, mi debilidad.

 

“Painted style”.

En realidad no se trata de un estilo, es la adaptación de color manual de toda la vida llevado a las páginas de cómic. Una vez que se han elegido los colores bases y la tonalidad general de la página, todo consiste en pintar. Es el método que suena más sencillo pero que, sin duda, lleva más tiempo. Sin embargo, al asemejarse tanto al oficio clásico de la pintura, es el que más libertad deja y en el que, con suerte y tiempo, terminas dejándote llevar. Implicado en el dibujo se acaba rematando con matices tenues, quizás solo unas pinceladas en una zona concreta, con las que quiero llevar el dibujo al terreno de la pintura.

 

 

Sin duda es el estilo que más trabajo conlleva y que resulta más complicado realizar. Por otro lado, y por decirlo de alguna manera, es el estilo que me sale “solo”, no necesito planificar el tipo de sombras porque se van creando sobre la marcha. No me limito a ningún tipo de pincel en concreto, sino que voy tirando de lo que la ilustración pide y es el que me deja más satisfecho. Al ser más laborioso suelo dejarlo para ilustraciones o portadas, pero sin ir más lejos el último cómic que he realizado está integramente hecho con esta técnica. Ni los plazos de entrega ni la situación lo aconsejaban, pero ciertos tipos de dibujo creo que me hacen inclinarme por este método.

 

En realidad es muy raro que me limite a un tipo de color a lo largo de todo un cómic. Es necesario respetar el estilo desde el principio, pero hay soluciones que viajan entre unos y otros, enriqueciéndolos y complementándolos.  De ahí es donde salen las nuevas soluciones y, quién sabe, a lo mejor dentro de un tiempo tengo que hacer una segunda entrega porque, por el camino, me he ido encontrando o creo haberme inventado nuevos estilos.

 

Enlaces relacionados:

Portafolio de muestras 2001-2015, con más páginas de ejemplo de cada estilo.

Comic Related. Un artículo de C. Edward Sellner donde habla del color para cómics de manera muy profesional.

 

 

Taller “Cuadernos de viaje. De las calles al ciberespacio.”

Detalle del folleto de presentación.

Organizado por la UNIA ( Universidad Internacional de Andalucía ), este Taller tendrá lugar entre el 3 y el 6 de Mayo en Málaga. Me satisface poder colaborar en él impartiendo una de las clases de una de las materias de las que más puedo compartir: el coloreado digital.

Su fin es dar a conocer la comunidad de Urban Sketchers, basado en el dibujo al aire libre. Apuntes a mano alzada de algunos aspectos de la ciudad del aficionado o detalles recogidos de algún viaje. Un enfoque más artesanal del recuerdo fotográfico que toma valor cuando el instrumento de dibujo se desplaza por el cuaderno. El Taller ayudará a los interesados con consejos para el dibujo, digitalización, retoque y creación de blogs, todo ello dentro de una comunidad de aficionados ya establecida y con el fin de formar parte de ella. Incluso está programado pasear por la ciudad en la mañana y tratar esas mismas imágenes en el curso por la tarde, un buen plan para rotuladores inquietos.

Un pequeño esbozo reciente.

Puedo aseguraros que detrás de estos días de clase está un largo trabajo de preparación y organización. La plantilla que impartirá el Taller proviene de diversos puntos y con diferentes especialidades y conocimientos. Es una buena oportunidad de, aprovechando la tecnología, intentar sembrar la semilla de la curiosidad de quien gusta observar la ciudad como arquitecto aficionado.

Aquí podréis conocer más detalles: matriculación, becas y ubicación entre otros, además del historial de los participantes.

Página en UNIA.

Enlaces relacionados.

Blog de Urban Sketchers España.

Reportaje en CyberPaís.

Video de presentación.

Ilustración. “Healthy fatty”

En esta ocasión toca subir uno de esos proyectos personales a los que se dedica algunas horas libres cuando el trabajo diario lo permite.  Partí de la simple idea de contraponer el aspecto rollizo del personaje con la comida ligera y saludable en su mesa. No por ello se encuentra triste, todo lo contrario, parece disfrutar del mero hecho de pensar en dar un bocado al apio. Pese a que resulta casi imposible mancharse con esta comida, en su ritual ha incluido ponerse al cuello un babero. En el plato vemos lo que queda por comer y a su lado la bebida y el postre.

Tengo algunos archivos y creo que resultaría curioso cambiar la dinámica del blog y enseñar alguno de los pasos hasta el resultado final.

Comienzo del trabajo.

Comenzó como un trabajo a lápiz normal y corriente, mezclando azul y rojo en algunas partes. En los bocetos previos la boca sobresalía mucho más, y pese a ser una ilustración resultaba bastante menos realista. Buscaba darle un acabado muy trabajado en temas de luces y sombras, y ello me llevó a las formas suaves.  La atmósfera que buscaba tampoco encajaba con los tonos del lápiz, así que recién abierto en Photoshop cambié la tonalidad a la que podéis ver arriba.

Suelo separar las zonas a la hora de colorear digitalmente, pero en este tipo de ilustraciones la separación no encaja. Los cortes abruptos bajo el lápiz claro no resultan agradables, al menos en mi opinión, y todo queda más suelto si te dedicas a pintar y borrar el sobrante.  Con alguna hora encima llegué a este resultado:

Elegido el color de fondo y trabajados la cabeza y las manos

Siempre comienzo por la expresión facial. Es lo que más tiempo lleva para obtener un resultado satisfactorio y el detalle es mejor enfocarlo en la piel, las ropas necesitan, por lo general menos trabajo. Para el final quedaban los detalles en la mesa y la iluminación general. Por último los pequeños aspectos, casi invisibles pero como alguien me dijo una vez “no se ven, pero ahí están”. En el mundo del cómic ya sea por el tipo de dibujo o por el tiempo disponible no se puede experimentar demasiado con luces, volúmenes, sombras arrojadas, etc. También es fundamental no sobrepasar ni hacer más llamativo el color por encima del dibujo, ambos deben ir de la mano y en el caso del color no pretender ir más allá del trabajo del dibujante. Por eso los pequeños detalles los planteo como prueba en estos trabajos y me empleo más en ellos cuando se trata de un proyecto personal.

Detalles del tenedor, la manzana y la botella de agua.

Queda acabada la idea, a veces hay que dejarlas salir aunque no se sea muy consciente de su utilidad. Al final quedé muy satisfecho con el aspecto de la botella, dibujada en plan cómic pero muy trabajada en las transparencias, la luz arrojada y los reflejos. Esto y algunas horas delante de la pantalla terminan el proyecto y pide a gritos el siguiente.  Me parecía intersante mostrar una pizca de mi método de trabajo y en sucesivos post sobre estas ilustraciones personales creo que lo haré de este modo.

Espero que lo hayáis encontrado interesante.